《卡门》：歌剧的中国式生存(2)

　　根据《纽约时报》在2010年的统计，中国有4000万孩子学习钢琴，而学习小提琴的更是达到6000万。不过，对孩子家长来说，西方歌剧显得有些陌生。

　　当然，国家大剧院不指望出现奇迹，民众会突然对歌剧产生兴趣。相反，他们把重心放在音乐普及上，培养国人对西方歌剧的兴趣，每年一度的“北京歌剧节”就是为此而设。

　　《图兰朵》与《电影之歌》：中西摇摆的尴尬前行

　　张艺谋的《秦始皇》和《图兰朵》，走的是一条路。

　　2009年，多明戈来到中国。很多年轻的中国艺术家激动的“甚至都不敢唱、不知道该怎么唱了。”在他们的心目中，多明戈拥有着神一般的地位。而普通的中国老百姓，可能直到2008年北京奥运会闭幕式，才真正认识了多明戈，因为他和宋祖英合唱了闭幕式主题曲《燃烧的火焰》。

　　歌剧在中国的发展，面临着一种难以言说的困境，这种困境更多的是在“洋为中用”的创作过程中，面临的摇摆和尴尬。

　　说“洋为中用”并非没有原因。歌剧(opera)在大英百科全书中的解释是：音乐戏剧(Musical drama)，是以歌唱为主，同时综合了音乐、诗歌、舞蹈等多种艺术形态的一种戏剧形式，通常由咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序曲、间奏曲等组成，少数的时候也会用说白和朗诵。歌剧最初起源于16世纪的古希腊，后在意大利佛罗伦萨真正诞生和成型，并在意大利境内逐渐开始盛行。所以一直以来在中国，歌剧，都被认为是舶来品。

　　中国歌剧研究的主流思想认为，中国歌剧的历史仅80余年，1930年代黎锦晖创作的《麻雀与小孩》等一系列儿童歌舞剧，被认为是中国歌剧的发端。之后的1934年，聂耳和田汉创作的《扬子江暴风雨》基本奠定了话剧加唱的基本形态，之后的其他歌剧作品，基本上沿袭了这样的表演形式。

　　但中国的歌剧创作者，从一开始，就面临着“洋为中用”的尴尬，1945年创作的《白毛女》，被认为是中国歌剧史上的里程碑，但在经过很多本土化的设计和改造之后，它看上去，和西方的歌剧已经有了很大区别。事实上，在进入80年代经过一段短暂的回光返照之后，中国歌剧便基本淡出了普通大众的视野。

　　“洋为中用”带来的，是道路选择的尴尬。直到有人，尝试走上一条新的道路。

　　2008年，当鸟巢版的《图兰朵》在供足球比赛的体育场上演时，有人赞叹张艺谋在拯救歌剧，用豪华的制作、大牌的明星、国际化的运作，把更多、更年轻的普通人吸引到了宏大的体育场内“看歌剧”。而在张艺谋的歌剧《秦始皇》中出演“秦始皇”的正是歌剧之王多明戈。

　　《电影之歌》走的是另一条路，那就是音乐剧加明星加通俗化，用通俗歌曲的唱腔，用流行歌星来做演员，讲述的是对老百姓而言通俗易懂的故事，不再受制于传统音乐剧的诸多局限，用音乐剧为中国歌剧开辟一条看得见未来的新路。

　　而国家大剧院正在做的，可能是中国歌剧发展的第三条路，那就是国际巨星加知名剧目，用最高水准的歌剧表演、最原汁原味的歌剧形态、最经典传统的歌剧故事，去让观众真正爱上歌剧。

　　经典歌剧在中国

　　《魔笛》：第一次联合制作

　　《魔笛》是莫扎特生命中最后一部作品，也是其最为倾心的歌剧创作之一。“只要吹响魔笛，就可以使人得到爱，使不幸者得到欢乐。”

　　2009年底在中国上演的《魔笛》是第一次由三个歌剧院联合制作，尽管口碑平平，票房成绩却不俗。众多中国元素的加入是新版《魔笛》的最大特点，追赶王子的巨蟒以“中国式舞龙”的方式呈现，林中跑出来的动物是中国十二生肖。

　　《茶花女》：最简洁的版本

　　小仲马曾经说，“五十年后，人们也许不会记得我的小说，但威尔第让它成为不朽。”2010年6月初，国家大剧院版的《茶花女》由纽约爱乐乐团音乐总监洛林·马泽尔担任指挥，国内著名男中音廖昌永出演阿尔弗莱德的父亲乔治·阿芒。“它的布景很简单，就一个大的摆设的镜子，把那个幕布拉掉然后再变化，但总归是万变不离其宗。”

　　《尼伯龙根的指环》：最漫长的旅程

　　柏林德意志歌剧院曾在2005年访问中国并首次在中国上演的瓦格纳超长系列歌剧《尼龙伯根的指环》，演出时间超过10小时，由10幕36场组成，是歌剧中典型的四联剧。

　　在德国，歌剧迷要看一次《尼伯龙根的指环》甚至需提前十年订票，且是要连续订十年。